En la escuela, Pepe se ve obligado a revivir las inclemencias de la juventud, el ansia y el descontrol que sus nuevos compañeros ejercitan con enorme intensidad: habrá duelos de muecas y disputas en latín, vítores y obscenidades dibujadas en el pizarrón. Todo es ira y rebelión, fuerza y deseo subterráneo, la fiesta hormonal de la inmadurez. Más allá del clima general planteado en estas escenas escolares, lo que resulta difícil, hoy, es comprender la naturaleza misma del planteo. ¿Cuál es exactamente el problema? Según los reclamos y las pancartas, se trata de la batalla entre ser “adolescentes” o “muchachos”. Estos jóvenes coléricos “no van a permitir” que se los trate de “inocentes”.

Luego aparece la familia burguesa, con su hija joven y deseable, quienes van a representar para Pepe el horror de la modernidad. Sin embargo, él entiende y no discute la pasión democrática que siente su amigo Polilla (Fidel Cuello Vitale) por un peón. Que quede claro: no es que Polilla conoció a un peón y se enamoró. Él buscó deliberadamente a un desposeído, el hijo de un portero o un peón, para ejercitar su sensibilidad social.

En “Ferdydurke” Gombrowicz trabajó el lenguaje con una libertad, ruptura y capacidad de juego que con toda justicia iban a despertar la admiración de muchos académicos, tanto acá como en Europa. Al convertirse en un hecho teatral cobran protagonismo en cambio las acciones, y en ese plano se diluye un poco el sentido de su rencor. Las formas, según él, enmascaran la naturaleza de lo humano y sólo recogen sus desperdicios. Todos somos pobres tipos, dice en el programa su exégeta Bruno Schultz, que deberíamos tener el coraje de enfrentarnos a nuestra propia bajeza. Al leer sobre su paso por Buenos Aires, incluso sus propias crónicas, el escritor polaco parece el personaje de una novela ajena, uno de esos grandes melancólicos de Roberto Arlt, por ejemplo, o de Onetti, con ínfulas de conde y un narcisismo desmesurado. Hoy ocupa un lugar de prestigio en la historia de la literatura, aunque en su momento no logró ganarse el interés de Victoria Ocampo ni el de Jorge Luis Borges. “Detrás de la forma” es una aceitada puesta teatral llena de sonido y furia, sobre el cuento de un joven ofendido porque alguien lo acusó una vez de ser inmaduro.

En realidad, los distintos ejercicios físicos, lúdicos, vocales, sensoriales y emocionales, ligados al difícil arte teatral, que desarrollarán en ese breve lapso, más que brindarles herramientas para transformarse en otro ser, impensadamente les revelarán a todos por igual el abismo de sus propias existencias. Claro que confrontar la imagen distorsionada que cada uno tiene de sí mismo con la verdadera, aquella que cruelmente nos devuelve el espejo de la vida, no resulta nada fácil.

La muy leve pieza de la joven autora Annie Baker (1981) reúne en una sala de ensayo de danza a cinco personajes que desbordan ansiedad. Una exigente profesora de teatro (Soledad Silveyra), conduce con excesivo entusiasmo a los cuatro únicos alumnos de su clase; entre ellos su propio marido (Boy Olmi), quien cae hechizado por la involuntaria seducción que ejerce otra compañera de curso. La muchacha en cuestión (Andrea Pietra), inconsciente de su belleza, y en desesperada búsqueda de horizonte propio, a su vez cree dibujado el amor en un cincuentón divorciado (Jorge Suárez), quien amortigua la incomodidad de su soledad con la avidez por simpatizarle a todo el mundo. Se suma a ellos la retraída chica mencionada al inicio (Victoria Almeida), cuyo único deseo es integrar el elenco del musical que dará cierre a su ciclo escolar, y en donde se intuye el alter ego algo escéptico y la mirada escrutadora de la dramaturga norteamericana.

Con semejante argumento y tan sólido elenco, no le debe haber resultado difícil al director Javier Daulte hilvanar el entramado de las distintas escenas. Autor y puestista de obras mucho más sólidas, como “Estás ahí”, “Nunca estuviste más adorable” o “Baraka”, ya demostró su capacidad para resolver y generar acciones y climas interesantes.

Enmarcados en un ritmo demasiado parecido a una sitcom, es en las interpretaciones donde se destaca la propuesta. Desde un correcto Olmi y la exacta criatura de Pietra, hasta el desopilante Suárez, pasando por una estupenda Silveyra, en delicioso regreso a las tablas, y la encantadora Almeida, que por fin ingresa al circuito comercial con su ascendente talento.

Tal vez sea otra prueba de que los actores son, en definitiva, quienes pueden lograr el milagro de engrandecer cualquier diálogo y hacernos reír y emocionar en dosis parejas.

La reflexión viene a cuento ante el estreno de este curioso y laureado musical, importado de Broadway. Por un lado, se basa en uno de los dos grandes textos del dramaturgo alemán Frank Wedekind (1864-1918, el otro es “Lulú”, síntesis de “El espíritu de la tierra” y “La caja de Pandora”), que muestra la devastadora experiencia de un grupo de adolescentes en una aldea alemana de fines del siglo XIX, a quienes sus padres y maestros les imponen una opresiva e impiadosa educación que los confunde, maltrata y llena de temores. Por el otro, la responsable del final de su versión porteña es la actriz, directora y productora teatral y televisiva Cris Morena, reconocida –a nivel internacional– por exitosos ciclos de la pantalla chica destinados al público infantil o familiar (“Floricienta”, “Casi ángeles”, etc.).

En 1891, Wedekind se atrevió a fustigar y escandalizar la hipocresía que caracterizaba la sociedad burguesa de entonces, con esta trama que aborda sin tapujos temas como el fin de la inocencia, la rebeldía, el sexo, la masturbación, el suicidio, la violencia doméstica o el aborto. Tamaña osadía significó, entonces, que la obra permaneciera prohibida durante más de una década. En su actual traslado musical, los norteamericanos Sater y Sheik respetaron el dramatismo original y alternaron escenas habladas, situadas en el tiempo histórico de la acción, con canciones y baladas rockeras –a modo de frenético recital contemporáneo, acentuadas por el micrófono en mano–, para expresar aún más la desolación de los personajes.

Si bien el formato es atractivo, con semejante argumento, a Morena no se le debe haber pasado por alto que dejaría afuera a gran parte del público que consume sus programas y shows –de hecho, con buen tino, la visión es restringida a mayores de 14 años–. Lo cual, en los tiempos que corren, y frente a la costosa factura visual que ostenta el espectáculo, es un desafío absolutamente digno de todo elogio.

Los resultados escénicos lucen espléndidos, gracias a un prestigioso equipo creativo, que recrea eficazmente la puesta neoyorquina –la iluminación y las proyecciones son lo más sobresaliente–, y un jovencísimo elenco que derrocha entusiasmo y compromiso. En especial, los protagonistas: Fernando Dente, Florencia Otero, Federico Salles y Mariana Jaccazio, que reafirman sus acreditadas experiencias en el género de forma admirable.

Justamente en esta obra –estrenada en el 2004 por Cristina Banegas, con dirección de Pompeyo Audivert– reduce la tragedia shakespeariana a lo esencial: el malvado personaje femenino. Sobre su figura impiadosa, en dialogo perpetuo con el terceto infernal de brujas profetas, Gambaro elabora una síntesis dramática de tensión y poesía admirable sobre la ambición del poder.

Cabal hombre de teatro, Silvio Lang logra con su flamante puesta el raro prodigio de ocupar la vastedad de un coloso en ruinas, el Ex Molino Werner (ver recuadro). Cada rincón del inmueble, desde sus ventanas sin vidrios, las paredes derruidas, los hierros oxidados, hasta los huecos más impensados, adquieren la calidad de una lujosa escenografía funcional –la iluminación de José Jerónimo y el trasto metálico de Rubén Schaap son deslumbrantes– donde merodean espectrales los protagonistas del drama.

Otro pilar de su notable labor es el aceitadísimo trabajo actoral. Cuenta a su favor con un elenco de homogénea calidad, donde se destaca, claro está, Bibiana Grabowsky como la atribulada señora del título. Una actriz de refinada presencia y soberbio órgano vocal, que ofrece una entrega de intensa visceralidad. La acompaña el serpenteante coro de hechiceras compuesto por Mariana Roseró, Liliana Rojas y Rosana Maldonado, que aúnan la plasticidad de sus cuerpos con la vitalidad interpretativa, y por último, la lúgubre aparición del fantasma ensangrentado de Banquo, a cargo de un vigoroso Diego San Miguel.

No están solos, porque como detalle de color, ya desde los ensayos, una gata de pelaje gris, dueña y reina de esos ámbitos, irrumpe en el montaje, casi como un personaje más. Lejos de amedrentarse con el imprevisible e inmanejable deambular de la felina, el director lo incorpora sin que su simpática participación dañe la trama. En suma, la calidad y la seriedad de esta propuesta pampeana, sencillamente imperdible, rozan la excelencia y demuestran una vez más que la creatividad escénica no es patrimonio porteño.

La quinta edición de este encuentro federal, desarrollada entre el 2 y 6 de septiembre pasados, y organizada por la Intendencia local –en colaboración con el Instituto Nacional de Teatro y el gobierno provincial–, presentó una variada oferta programada por Marcelo Allasino (ver recuadro). Un total de 19 espectáculos, provenientes de todo el país, ofrecieron drama, comedia, danza y experimentación escénica, junto a musicales e infantiles (género habitualmente ignorado, cuyas actuaciones, en una decisión digna de imitar, abarcaron barrios carenciados), y se estrenaron tres producciones locales, que seguirán en cartel tras el evento.

Estas ultimas son gratas sorpresas: “Hube amado”, interesantísima comedia dramática de ritmo cinematográfico y estructura un tanto caótica, cuyos ejes son el amor, la soledad y el paso inexorable del tiempo, es la primera, promisoria puesta del notable actor Gustavo Mondino, que recrea el clima onírico de los films de Buñuel, donde se destaca la figura de María Eugenia Meyer. También “Atacar” establece el debut del grupo En Alaska, y aborda un texto críptico (algo extenso) que devela la relación inquietante de un terapeuta y su paciente. Con dos trabajos actorales meritorios, en especial Iván Tritten, y una muy buena labor de su director y dramaturgo, Santiago Alassia, resulta una verdadera revelación. En tanto, el infantil “Viva el canguro”, gracias a tres hábiles titiriteros pertenecientes al conjunto “Los hijos del pepenador”, logra desplegar una pequeña anécdota de moraleja instructiva y eficaz impacto.

Finalmente, entre las muchas actividades paralelas, la más relevante fue, lejos, la triple muestra del fotógrafo nativo Adolfo Previderé (1945), con magnificas instantáneas de actores y obras, registradas en Rafaela desde su juventud y que al recorrer 40 años de trayectoria, constituyen un testimonio histórico insoslayable.

Nos animamos a sugerir, para próximas ediciones, duplicar las funciones de cada elenco –incluso una necesaria simultaneidad horaria–, así como renovar y extender los siempre bienvenidos seminarios de perfeccionamiento. Este festival en franco ascenso manifiesta que Rafaela ya es un fecundo rincón teatral del país.

Autor de la exitosa “Gorda” y “Una cierta piedad” es, sin duda, el dramaturgo de moda. No resulta difícil vaticinar que pronto veremos más piezas de su fecunda producción.

Al igual que las mencionadas, en “The shape of things” (el título original) los protagonistas conforman una pareja disfuncional –según los cánones de Occidente, claro está, y en especial de su clase media alta– asolada por el entorno. Pero a diferencia de aquellas donde las agresivas circunstancias y mandatos atávicos ensombrecen cualquier posible continuidad, aquí hay un giro sorpresivo –de notable habilidad y que no conviene revelar– que expone la condena que desde su inicio pesa en el vínculo.

Bajo el caparazón del humor (estupenda versión de la dupla Masllorens y Del Pino), la trama disecciona el noviazgo que establecen –en una sociedad universitaria y pacata– dos estudiantes que se conocen aparentemente de manera fortuita. El muchacho (Fernán Miras), empleado de un museo de arte, luce tan desaliñado como atolondrado, tiene pocos amigos (Sergio Surraco y Magela Zanotta) y cae seducido ante la arrolladora personalidad y belleza de una joven artista (Griselda Siciliani), pronta a presentar su tesis de graduación. La relación florece en tanto él se convierte –bajo la guía de su amada y a través de un régimen alimentario, un cambio de “look” y hasta una cirugía estética– en una “nueva” persona, más atractiva para los demás.

Cabal hombre de teatro, Daniel Veronese demostró en forma reiterada su capacidad para sintetizar puestas basadas en el ascetismo espacial y, por oposición, en un abigarrado, complejo y fecundo trabajo actoral. Sin embargo, su labor prolija y efectiva esta vez carece de intensidad. Al menos la noche del estreno, las actuaciones, en general fueron correctas –como cabe esperar en intérpretes de probado oficio–, pero epidérmicas. En parte porque los personajes parecen vacíos de carnadura. La excepción es Magela Zanotta, una actriz deslumbrante, que con cada aparición en escena, literalmente, se roba la comedia.

Lo que consigue esta pieza es una proeza inaudita: logra que una audiencia entera se enamore en un minuto de una gorda. No hablamos acá de una simpática regordeta, sino de una mujer francamente entrada en carnes: joven, bonita y gorda. Ella está comiendo –qué más– en un local de comidas rápidas y entra un hombre con su bandeja en busca de un lugar.

Ella es Mireia Gubianas, una actriz y cantante lírica española –también licenciada en Lengua y Literatura, graduada en Interpretación y en el Conservatorio Superior de Música de Barcelona– y ya protagonizó con todo éxito esta pieza en España. Él es Gabriel Goity, impecable como Tommy, ese muchacho porteño que se cree muy malo, pero no logra evitar un aire de irresistible desprotección. Ella, Helena, es una bibliotecaria que no vacila en enfundar su magnánimo trasero en un jean ajustado, como quien no tiene nada que ocultar. Y si en un minuto consigue deslumbrar a Tommy, a pesar del canon estético que este profesó toda su vida, es porque Helena tiene algo más importante que el tamaño de su cuerpo: posee una voz. Dice cosas provocativas e inesperadas. Y cuenta con una risa que es la fuente de la vida. Tommy cae rendido de amor, no le queda opción.

Esta obra –que comienza ligera y se vuelve implacable– es un estudio sobre la frivolidad y el verdadero lugar que ocupa en la cultura contemporánea. Explora el mandato de ganar y obtener trofeos en todos los planos, especialmente en el conyugal. Muestra el miedo a lo diferente y también la envidia de los otros, porque el amor es siempre un milagro, dondequiera que se dé.

“Los otros” son Juana y Nacho: muy destacable la actuación de María Socas y brillante, como siempre, Jorge Suárez. La escenografía de “La gorda” compone un juego original de momentos circulares, muy bien diseñados y tal vez alegóricos. Las luces también son sutiles: con sólo un matiz pueden convertir una oficina blanca y radiante en una ominosa caja de hielo.

El autor de “Gorda” –“Fat Pig” en el título original– es Neil LaBute, autor y director de una frondosa cantidad de películas y obras de teatro. Su primera pieza –“En compañía de los hombres”, que luego la convirtió en guión y dirigió en el cine– fue muy celebrada y ganó unos cuantos premios en diversos festivales. Es un hombre de 46 años que libra su propia batalla con la balanza: por momentos gana él, pero a veces también gana ella.

La puesta de Veronese es perfecta: económica y visceral. La traducción resulta ser excelente. Y si el espectáculo recibe diariamente una ovación de pie es porque el público se ha reído a carcajadas, porque ama a Mireia Gubianas y porque el texto le ha dado para pensar.

Basta repasar algunos datos: la segunda línea ferroviaria, los primeros telégrafos y fundiciones de hierro se instalaban en sus ciudades principales, mientras que el primer buque metálico era botado en los astilleros de Asunción. Las fábricas textiles, siderúrgicas, del papel, tinta, loza, pólvora y de la construcción empezaban a producir y exportar, favorecidas por las medidas gubernamentales. El Estado poseía grandes terrenos, denominados “estancias de la patria”, que arrendaba a los campesinos para que fueran cultivados. No tenía desempleados ni deuda externa y la educación era obligatoria y gratuita.

Las sangrientas hostilidades cesaron en 1870, con una derrota total del Paraguay y consecuencias terribles: la población, aproximadamente de 1.525.000 personas, fue reducida a unos 221.000, de los que solamente unos 28.000 eran hombres. Gran parte de su territorio (un total de 169.174 km²) fue anexado por las naciones linderas y obligado a pagar una abultada indemnización. La cifra inicial del préstamo para saldarla, otorgado por Inglaterra, tras sucesivas refinanciaciones e intereses punitorios se volvió millonaria.

Como homenaje al Bicentenario de la Independencia de la nación hermana, el talentoso actor, dramaturgista y director teatral Julio Molina rescata una batalla en particular: el frustrado asalto de los aliados al fuerte Curupayty, valerosamente resistido por los locales. Sin caer en la pedagogía, el texto (dicho alternadamente en guaraní y castellano) aborda los hechos, pero se detiene en los relatos íntimos y desgarradores de esas mujeres desoladas y hombres mutilados. Apenas pocos elementos, un vestuario de época exacto, el acompañamiento en vivo de un arpa y el desempeño de un dúctil y apasionado elenco bastan para recrear, de manera admirable, el clima agobiante de la selva y la angustia de los vencidos.

Valiosa y necesaria propuesta del teatro alternativo porteño, que repasa en forma conmovedora y poética, una vergonzosa página que muchos libros de historia prefieren minimizar.

Desde el 23 hasta el 26 de abril pasados, actores, directores, dramaturgos y críticos se congregaron para el Festival y Congreso enunciados. Durante el primero se estrenaron obras y se ofrecieron otras ya probadas; en el segundo, se analizaron distintos aspectos de la escritura dramática argentina. Esta vez, el decidido tesón de Saccoccia y sus colaboradores fue más lejos: para esta edición, los elencos invitados hicieron una gira por varias subsedes en ciudades neuquinas y de la aledaña provincia de Río Negro. Es decir, una inabarcable cantidad de funciones, mesas redondas y talleres, entre otras actividades paralelas.

El debut no pudo ser más auspicioso, con el estreno de “Damas”, una sólida comedia de la escritora santafesina Adriana Allende, a cargo del eufórico grupo teatral Hueney, en la que un conjunto de mujeres peregrinas lleva ofrendas a santuarios populares no consagrados –como el de la bailantera Gilda– y termina enredado en un suceso inesperado que cuestionará su fe y sus creencias. Le siguió la no menos lograda “El velorio de la azafata”, a cargo de la entusiasta Comedia Universitaria de Neuquén, donde la aparición de una mujer muerta en un decadente geriátrico y las vicisitudes para descubrir al posible asesino, son la excusa perfecta para que el rosarino Eduardo Bonafede plantee una jocosa interpretación de los equívocos característicos de la vejez.

Por último, en esta apretada síntesis seria injusto no mencionar la visita del excelente unipersonal “Lagrimas y risas” del mendocino Ernesto Suárez, donde tamiza, a través de una histriónica comicidad, su azarosa existencia.

Es deseable que la invalorable, necesaria labor de ese mecenas argentino que es el Dr. Saccoccia, goce de buena salud por mucho tiempo. Por cierto, con la necesaria renovación de jurados, invitados y propuestas, más un mayor apoyo estatal y privado. Pero fundamentalmente, que su dignísimo ejemplo sea imitado. En este país, el teatro en particular y la sociedad toda en general lo necesitan de forma urgente.

En apretada síntesis, los anfitriones abrieron la oferta con “Una tragedia argentina” de Daniel Dalmaroni, plasmada en clave grotesca por su director Luis “Lito” Senkman, donde una familia disfuncional se transforma en paradigma de la sociedad argentina y permite el lucimiento actoral de Raúl Kreig y Silvana Montemurri como los atribulados padres.

Rosario presentó “La temperatura” de Gustavo Guirado, una obra con personajes inquietantes, que dan vida a una poesía de lo siniestro en la que se destaca el trabajo excelente de Claudia Shujman, como la mujer barbuda, sobreviviente de un circo, abandonada en la pampa y destinada a ser preñada para poblar el desierto. De Entre Ríos llegó “Bardo criollo”, dramaturgia colectiva con la que la agrupación homónima celebra diez años de existencia. Tucumán participó con “Payasadas”, destinada al público menudo y elaborada utilizando técnicas de clown, acrobacia, danza y música. Neuquén ofreció la graciosa puesta de “Un simio oscuro” de María Rosa Pfeiffer, en la que tres folkloristas aficionados son engañados por un empresario inescrupuloso. Con ternura y humor, los entrañables seres ponen en escena frustraciones en las que es fácil hallar eco.

El plato fuerte de la programación fue “La muerte de Dantón” de Georg Büchner, en la que el joven director cordobés Luciano Delprato –también trajo su aplaudida versión de “El jardín de los cerezos”– vuelve a arriesgarse escénicamente. Ambientada entre lo que parecen las paredes de un hospicio, encuentra una manera válida, aunque algo exaltada y cercana al hiperrealismo, de representar el grado de locura desatado durante la Revolución Francesa. Un Dantón voluptuoso tiene su opuesto en un Robespierre mesiánico y difusor de la austeridad y el recato. En el extenso elenco de la Comedia Universitaria de la UNL se destacan, en especial, los trabajos femeninos.

Buenos Aires aportó “Ala de criados”, “Amor a tiros”, “Lote 77”, “Así da gusto” y “La de Vicente López”, todas ya comentadas en esta sección. Entre las actividades paralelas, sin duda, las más relevantes fueron los merecidos homenajes al dramaturgo Carlos País y al director Oscar Fessler.

Aunque la propuesta es valiosa, y es deseable que goce de buena salud por mucho tiempo, nos permitimos sugerir para futuras ediciones una mayor cantidad de propuestas santafesinas y fomentar aún más –quizás a través de clases magistrales o talleres– el intercambio de experiencias entre los artistas que congrega.